Archivio per Categoria: Curiosità

Stupefacenti, rocamboleschi, studiati nei minimi dettagli o sorprendentemente semplici: i furti di opere d’arte sono tanto numerosi quanto vari. Crimini vili e riprovevoli, che sottraggono risorse e depauperano la storia in nome di interessi privati, generano da sempre un’innegabile curiosità nel grande pubblico. Sarà per l’ingegno, lo spirito avventuroso e l’aura di eccezionalità. Come dimostrano i recenti episodi di Parigi – con il Louvre derubato dei gioielli della Corona e di Napoleone – e della Rocca Magnani di Parma – depredata di un Renoir, un Cézanne e un Matisse – i ladri hanno sempre trovato (e continuano a trovare) modi abili e insospettabili per mettere le mani sul patrimonio altrui. A volte le indagini vanno a buon fine e si recupera la refurtiva, mentre alcuni casi restano tuttora irrisolti.

È sempre al volto che rivolgiamo lo sguardo, nella vita come nell’arte, quando ci interroghiamo sull’identità di un soggetto e ne proviamo a interpretare emozioni e pensieri. Ma cosa succede se questa finestra ci viene negata? Se la persona ci mostra le spalle? Ciò che non si vede attira la nostra attenzione e il suo valore simbolico e poetico ci conquista. Dall’età romana al contemporaneo, esploriamo assieme alcune delle figure di spalle più iconiche per lasciarci sedurre da questa prospettiva insolita.

Indipendente, dinamica, capace: Eleonora di Toledo (1522-1562) è una delle figure femminili più importanti e incisive del Rinascimento. Figlia del potente vicerè di Napoli – Don Pedro Alvarez de Toledo – sposa giovanissima Cosimo I de’ Medici (1519-1574).
Tra loro nasce un amore e una complicità profonda che si rifletterà anche nella gestione della corte fiorentina. Anche grazie alla sua influenza, i Medici riescono a rafforzare il loro potere sul territorio toscano e a consolidare il Ducato dopo la burrascosa parentesi repubblicana che li aveva costretti a fuggire dalla città.
Ritratti e documenti dell’epoca ci restituiscono l’immagine di una donna sicura e imprenditiva, interprete di progetti e visioni di ampio respiro, il cui risultato è ancora oggi godibile, come il magnifico Giardino di Boboli.

Si dice che Raffaello fosse un abile seduttore. Che Bernini avesse tentato di uccidere suo fratello quando, pazzo di gelosia, ne aveva scoperto la relazione con la sua amante, Costanza Bonarelli. Pare che Manet e Degas amassero la stessa donna e questo può aver contribuito alla tensione tra i due. La vivace attività sentimentale di Picasso è cosa nota. L’amore da sempre è parte importante della vita e del lavoro degli artisti. Ma cosa succede quando, al sodalizio amoroso, si unisce anche quello professionale? A volte ne nascono capolavori, altre scintille. Scopriamo allora la storia di cinque coppie famose nell’arte del Novecento.

I capelli, soprattutto quelli femminili, sono oggetto di interesse in molte epoche e culture. Corti, lunghi, sciolti, raccolti, esposti o coperti, la moda riflette norme religiose e politiche, convenzioni sociali, e diventa un linguaggio visibile di identità e appartenenza. Nel Rinascimento, le acconciature si fanno sempre più varie ed elaborate e le donne le adottano per affermare il loro ruolo ed esprimere la propria personalità. Esploriamo insieme questo mondo affascinante attraverso alcune opere d’arte dell’epoca.

“Qua vi è un giovane di patria di Cento che dipinge con tanta felicità di invenzione è gran disegnatore e felicissimo coloritore…”: con queste parole Ludovico Carracci (1555-1619) descrive in una lettera il talento di Giovanni Francesco Barbieri, noto come il Guercino (1591-1666). Nato a Cento, in provincia di Ferrara, il Guercino dimostra fin da bambino una straordinaria predisposizione alla pittura, che lo porterà prima a Bologna – dove entra in contatto con il grande maestro emiliano – e poi a Roma, al servizio della corte pontificia. Nella Città Eterna si trovano ancora oggi alcune delle opere più memorabili di tutta la sua produzione, testimonianze preziose di un linguaggio nuovo, personale e stupefacente.

Gli esseri umani impastano la terra da sempre: argilla, acqua, aria e fuoco sono gli ingredienti di una tradizione millenaria nata con finalità pratiche. Ma che ben presto accoglie anche suggestioni estetiche. Fin dall’antichità, vasi e altri contenitori vengono decorati con motivi ornamentali, storie mitologiche, allegorie e altri elementi grafici che seguono il gusto del tempo. E, in alcuni casi, diventano essi stessi simbolo di un’epoca, come accade durante il Rinascimento, quando la maiolica italiana non è più sinonimo solo di suppellettili da tavola, ma diventa vero e proprio oggetto da collezione. Nel corso del Cinquecento l’arte della ceramica maiolicata si evolve nelle tecniche, nelle forme e nello stile, dando vita a manufatti stupefacenti – per bellezza, varietà e perizia esecutiva – che ancora oggi incantano gli osservatori.

È stato il maestro del Rinascimento ferrarese, eppure se ne è persa la memoria per secoli e ancora oggi sappiamo molto poco di lui e della sua formazione. Cosmè Tura – artista poliedrico alla corte estense durante la seconda metà del Quattrocento – ha saputo coniugare il gusto cortese dell’arte gotica con le novità della pittura toscana, dando vita a uno stile personale e distintivo capace di fare scuola.
Ripercorriamo dunque la vita di questo grande protagonista dell’arte italiana attraverso alcuni dei suoi capolavori più celebri.

È noto che gli artisti sono capaci di intercettare e interpretare con anticipo un sentire comune, ancora inespresso nella maggior parte delle persone. È certamente quello che accadde con le Avanguardie del Novecento: una susseguirsi di movimenti culturali che – nei primi anni del secolo scorso – danno voce a un’inquietudine diffusa e propulsiva, segnando irreversibilmente il corso dell’arte e della storia.

La follia, con le sue implicazioni mediche, fisiologiche e sociali, è una delle materie più difficili da definire. Intesa sommariamente come deviazione da tutto ciò che è considerato “normale” (altro concetto altrettanto ampio e impreciso), ha da sempre attirato l’attenzione di intellettuali, scienziati e artisti. Questi ultimi, in particolare, l’hanno ritratta in diversi modi e forme, variabili a seconda dell’epoca e della sensibilità dell’autore.
Proprio perché le manifestazioni della pazzia sono molteplici – e le interpretazioni altrettanto numerose – ci concentriamo qui su alcune di quelle più note e significative ancora oggi, comprese nel periodo che va dal Medioevo al Rinascimento.